El Canto gregoriano es el canto oficial de la Iglesia Católica y después de muchos siglos en los monasterios, cuando salió el disco de los Monjes del monasterio de Silos, Burgos,se transformó en un éxito de ventas.http://www.youtube.com/watch?v=vArNf76XxYo
Aquí tienes ejemplos musicales de melodías gregorianas y de músicas de épocas posteriores con el mismo título
Los compositores de este período, que fue muy extenso, podemos verlos por nacionalidades en este vínculo http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Compositores_del_periodo_rom%C3%A1ntico
Los compositores románticos ampliaron las formas y estructuras establecidas en la época anterior, resultando formas musicales largas como la forma cíclica y la música programática.
Es una época de mejoras en la tecnología y calidad de los instrumentos, como la adición de válvulas de latón y la mejora del piano.Los compositores hacen un amplio uso de la expresividad —a menudo con términos como dolce o maestoso como indicaciones en las partituras — y experimentaron con la tonalidad, en particular con el mayor uso de los cromatismos y la disonancia.
Aparecen el virtuosismo instrumental y el belcantismo vocal, que intentaban demostrar la total especialización y dominio técnico y expresivo de los instrumentos y de la voz, respectivamente.
Formas musicales más utilizadas en el Romanticismo y algunos compositores relevantes :
Para piano:sonatas, fantasías y todo tipo de formas nuevas más libres,música de cámara con otros instrumentos,conciertos para piano y orquesta,etc. (Beethoven, Chopin,Schumann,Schubert,Brahms,Liszt...)
Para violín:estudios, fantasías,sonatas, música de cámara con otros instrumentos,el cuarteto de cuerdas especialmente y conciertos para violín y orquesta (Beethoven, Brahms, Paganini,Sarasate...)
Para voz: lied, música religiosa y ópera (Rossini,Bellini,Verdi,Wagner,R.Strauss,Bizet,Puccini...)
A mediados del 1700 en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la arquitectura, la literatura y las artes conocido como Clasicismo o Neoclasicismo. El Clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820.
Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período. En la música no se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, los pocos restos de música griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran suficientes para conocer como era aquella música realmente. La música del clasicismo evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy famosos son Haydn, Mozart y el primer Beethoven.
La música clasicista está impregnada del Humanismo ilustrado que quiere mostrarse elegante y agradable a todos, por lo que triunfa un melodismo externamente sencillo, pero que recoge un trabajo racional acorde con la filosofía del momento. Triunfa la música instrumental, después de unos siglos en los que progresivamente ha ido ganando terreno, y se impone el género profano por encima del religioso, fruto de la mentalidad laica del momento.
Los autores huyen de todo subjetivismo para mostrar, a través de la música, un sentimiento ajeno a ellos mismos. La dinámica general de las obras, aunque busca el movimiento, la expresión y el sentimiento, lo hace de una manera equilibrada y controlada por la forma. Por su parte, la ópera comienza a tener una gran aceptación en el público.
Algunos instrumentos surgen en este periodo como el piano, el arpeggione y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos alcanzan la madurez en este periodo como el fagot, oboe y el contrabajo. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, etc. El piano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo.
Este es un periodo clave también para la orquesta porque aquí se configura claramente la Orquesta Sinfónica como tal, por influencias mayormente de Mozart y Haydn. De la orquesta de cámara heredada del barroco, en donde se mantiene la sección de cuerdas, aunque esta es ampliada en número. Se abandona la práctica del bajo continuo, por lo tanto desaparece el instrumento de teclado que solía ser clavicordio. Y lo más importante: queda claramente establecida la sección de vientos de madera a 2. Esto quiere decir: 2 flautas traveseras, 2 oboes, 2 clarinetes y 2 fagotes. Además se usaban 2 trompetas, entre 2 y 4 trompas y ocasionalmente 1 trombón.
La forma SONATA
Laestructura sonataes una forma musical empleada ampliamente desde principios delClasicismo. Se emplea habitualmente en el primermovimientode una pieza de varios movimientos, aunque a veces se emplea en los siguientes movimientos también. El estudio de la forma sonata en la teoría musical se basa en una definición estándar y una serie de hipótesis sobre las razones subyacentes acerca de la duración y variedad de la forma.
La definición habitual se centra en la organización temática y armónica de los materialestonales, que se presentan en laexposición, son elaborados y contrastados en eldesarrolloy luego resueltos armónica y temáticamente en la re-exposición orecapitulación. Además, esta definición admite que una introducción y unacodapueden estar presentes. Cada una de las secciones a veces es dividida o caracterizada de una manera particular para que cumpla su función en la forma.
Se considera que la forma sonata , tal y como hoy la conocemos, empezó a consolidarse sobre las bases creadas, entre otros, por uno de los hijos deBach,Carl Philipp Emanuel, a través de sus experiencias con composiciones basadas en una nueva forma de sonata, y cuyos perfiles clásicos fueron definitivamente establecidos porHaydnyMozart.
La forma sonata, desde su creación, se ha convertido en la forma más común del primer movimiento de las obras tituladas "sonata" como tal, así como de otras obras de música clásica de mayor duración, como lassinfonías,conciertos,cuartetos de cuerda, etc. Por consiguiente, un grueso de la teoría está unificada pero distingue las distintas prácticas de la forma sonata a lo largo de un periodo y entre periodos. Incluso hay algunas obras que no se adhieren a la descripción de una forma sonata, pero a menudo presentan estructuras análogas o son formas elaboradas o ampliadas de la descripción habitual.
Una de las figuras decisivas en la transición del barroco al Clasicismo musical fue el compositor italiano Domenico Scarlatti. El estilo de sus obras era más cercano al Clasicismo porque utilizaba estructuras claras, y melodías con acompañamientos cada vez más comprensibles para el oyente. Otro compositor influyente fue Christoph Willibald Gluck, quien restándole importancia a la improvisación de ornamentos, se focalizó en los puntos de modulación y transición. La fase entre el Barroco y el Clasicismo fue llamada de varias maneras como Rococó o estilo galante, pero se caracterizó en el paso de la textura de polifonía compleja a melodías claras con acompañamientos sencillos y la creación de estructuras formales bien definidas.
Estas son unas imágenes de la película "Copying Beethoven"
Una aportación de Fermín Q.
Personajes:CHRISTOPH WILLIBALD GLUCK Estando en Viena, el músico sufrió un traspié, y sin querer, rompió un escaparate de cristal con la puntera de su bastón.El dueño reclamó el valor del vidrio roto-50 florines-, pero Gluck sólo llevaba un billete de 100 y el tendero no tenía cambio.Tras mucho discutir, el músico exclamó:"¡Ya está!".Rompió otro cristal de otro bastonazo y le espetó:"Tenga los 100 florines!¡Estamos en paz!.
Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.
Una curiosidad, observad la pintura en la que aparece con un papel, que parece una partitura.Pues, esta partitura es un gran misterio y se llama "EL CANON ENIGMÁTICO", porque puede tocarse de adelante hacia atrás y de atrás a adelante como se explica en este video.
Una de las características importantes del Barroco es la imitación de la naturaleza.Posiblemente los cuatro conciertos para violín y orquesta de Antonio Vivaldi(Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741), sea una de las obras más conocidas en el mundo.Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica y de la música programática. Vivaldi imprimía un sello distintivo a cada composición, tratando de transmitirle al intérprete la intención que él habría preconcebido para su obra, por eso la mayoría de los movimientos -sobre todo de sus concerti- tienen un título que los identifica y en el caso particular de los cuatro primeros concerti de su opus 8 conocidos como Le Quattro Stagioni, Vivaldi mismo escribió un pequeño soneto lírico (en italiano) para cada uno de los conciertos, los cuales -a menudo- son recitados antes de la interpretación de estos.Vivaldi fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.
Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud.
Una etapa muy productiva fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia.
Cecilia Bartoli es una mezzosoprano italiana que está recuperando músicas poco conocidas del gran compositor y las reunió en una concierto que llamó "Viva Vivaldi"
